4 kultne suradnje umjetnosti i mode koje su oblikovale 20. stoljeće

Tri koktel haljine, posveta Pietu Mondrianu autora Erica Kocha , 1965., preko Vogue France

Veze između umjetnosti i mode definiraju određene trenutke u povijesti. Oba ova medija odražavaju društvene, ekonomske i političke promjene od burnih dvadesetih do raskošnih osamdesetih. Evo četiri primjera umjetnika i modnih dizajnera koji su svojim radom pomogli u oblikovanju društva.

1. Halston i Warhol: Modna stipendija

Četiri portreta Halstona , Andy Warhol, 1975., Privatna zbirka

Prijateljstvo između Roya Halstona i Andy Warhol je onaj koji je definirao umjetnički svijet. I Halston i Warhol bili su vođe koji su utrli put da umjetnik/dizajner postane slavna osoba. Skinuli su pretencioznu stigmu svijeta umjetnosti i donijeli modu i stil masama. Warhol je više puta koristio sitotisak za izradu slika. Iako on sigurno nije izumio proces, on je revolucionirao ideju masovne proizvodnje. Halston je koristio tkanine i dizajne koji su bili jednostavni i elegantni, ali glamurozni s njegovom upotrebom šljokica, antilop kože i svile. Bio je jedan od prvih koji je američku modu učinio dostupnom i poželjnom. Obje su dale definitivan pečat umjetnosti i stilu kroz 1960-e, 70-e i 80-e koji i danas traje.

Suradnja i komercijalni uspjeh

Cvijeće autora Andyja Warhola , 1970., preko Muzeja umjetnosti Sveučilišta Princeton (lijevo); s Liza autora Andyja Warhola , 1978., via Christie’s (sredina); i Cvijeće autora Andyja Warhola , 1970., preko Muzeja umjetnosti Tacoma (desno)

I Halston i Warhol surađivali su zajedno na mnogim različitim projektima. Warhol je kreirao reklamne kampanje koje su prikazivale Halstonovu odjeću, pa čak i samog Halstona. U izravnijoj suradnji, Halston je upotrijebio Warholov print cvijeća na nekim od svojih odjevnih predmeta od večernje haljine do kompleta salonke.

Halston bi koristio jednostavne dizajne u svojoj odjeći, što ih je učinilo vrlo uspješnim. Bile su jednostavne i lake za nošenje, a ipak su se činile luksuznim uz njegovu upotrebu tkanina, boja ili printova. Warhol bi također pojednostavio svoje materijale i proces, što je olakšalo reprodukciju njegovih djela i učinilo ih prodavijima.

Uživate li u ovom članku?

Prijavite se na naš besplatni tjedni biltenPridružiti!Učitavam...Pridružiti!Učitavam...

Provjerite svoju pristiglu poštu kako biste aktivirali svoju pretplatu

Hvala vam!

Večernja haljina od Halstona , 1972., preko Muzeja umjetnosti Indianapolisa (lijevo); s Haljina i odgovarajući ogrtač od Halstona , 1966., preko FIT muzeja, New York City (središte); i salonski ansambl od Halstona , 1974., preko Sveučilišta North Texas, Denton (desno)

Komercijalni uspjeh imao je izazova za oba dizajnera. Halston će biti prvi koji će surađivati ​​s maloprodajnim lancem, JCPenney, 1982. koji je trebao kupcima dati jeftiniju opciju za njegov dizajn. To nije bilo uspješno za njegov brend jer se činilo da ga je pojeftinilo, ali je utrlo put budućim dizajnerima da učine isto. Warhol je također naišao na kritike jer je njegova produkcija viđena kao plitka i površna. Međutim, oboje su modernizirali korištenje maloprodaje i marketinga u svojim prostorima kako bi stvorili robne marke za prodaju masovnom tržištu.

Blistavost i glamur

Cipele od dijamantne prašine autora Andyja Warhola , 1980., preko Monsoon Art Collection, London (lijevo); s Ženska haljina, šljokice od Halstona , 1972., preko LACMA (desno)

I Warhol i Halston bili su česti posjetitelji Studija 54. Zabavljali su se, dizajnirali i producirali radove za slavne osobe kao što su Liza Minnelli, Bianca Jagger i Elizabeth Taylor. Ti se izlasci odražavaju u njihovim djelima jer su inspirirali i definirali disco eru 1970-ih.

Halston je poznat po kreiranju večernje odjeće pune šljokica. Polagao bi šljokice na tkaninu vodoravno. To stvara svjetlucavi učinak materijala, koji bi koristio za stvaranje ombre ili patchwork dizajna. Njegovi dizajni bili su jednostavne siluete koje su stvarale lakoću i pokret za ples. Njegovo korištenje šljokica bilo je vrlo popularno među zvijezdama, uključujući Lizu Minnelli koja bi nosila njegove dizajne za nastupe i izlaske na Studio 54 .

Warholova serija Diamond Dust Shoes također predstavlja primjer noćnog života Studija 54 i utjecaja slavnih. Dijamantna prašina je ono što je koristio na vrhu sitotisaka ili slika, stvarajući dodatni element dubine u djelu. Warholovi otisci cipela isprva su bili ideja za reklamnu kampanju za Halstona. Čak je kao inspiraciju koristio neke od Halstonovih dizajna cipela.

Dizajner je postao slavna osoba s Warholom i Halstonom. Nije se radilo samo o tome koje vrste umjetnosti i odjevnih predmeta stvaraju, već io njihovim društvenim životima. Danas postoje modni dizajneri i umjetnici koji su slavne osobe i to doprinosi uspjehu njihovih brendova.

2. Sonia Delaunay: Gdje umjetnost postaje moda

Sonia Delaunay s dvije prijateljice u studiju Roberta Delaunaya, 1924., preko Bibliothèque Nationale de France, Pariz

Sonia Delaunay ne samo da je revolucionirao novi oblik Kubizam ali i zamislio veze između umjetnosti i mode. I Delaunay i njezin suprug bili su pioniri Orfizam i eksperimentirao s različitim oblicima apstrakcije u umjetnosti. Bila je prva od svoje vrste koja je upotrijebila vlastiti umjetnički stil i prešla u svijet mode koristeći svoje originalne dizajne tekstila, printeve ili uzorke. Više je zapamćena po svojoj umjetnosti i povezanosti s mužem nego po modi. Njezini odjevni predmeti bili su na čelu promjena u ženskoj odjeći 1920-ih. Njezin katalog odjevnih predmeta više se pamti po fotografijama i referencama na njezinu umjetnost nego po samim fizičkim odjevnim predmetima. Za Delaunaya ne postoji crta između umjetnosti i mode. Za nju su oni jedno te isto.

Simultana i buntovnička moda

Simultane haljine (tri žene, oblici, boje) od Sonia Delaunay , 1925., preko Nacionalnog muzeja Thyssen-Bornemisza, Madrid (lijevo); s Simultano odijevanje od Sonia Delaunay , 1913., preko Nacionalnog muzeja Thyssen-Bornemisza, Madrid (desno)

Delaunay je započela svoj modni posao 1920-ih kreirajući odjeću za klijente i radeći dizajn tkanina za proizvođače. Nazvala je svoju etiketu Istovremeno i dalje unaprijedila svoju upotrebu boja i uzoraka na nizu različitih medija. Simultanizam igrao važnu ulogu u procesu njezina dizajna. Njezina tehnika korištenja vrlo je slična patchwork poplunu ili tekstilu iz istočne Europe. Boje se prekrivaju, a uzorci se koriste za stvaranje harmonije i ritma. Njezine uobičajene teme uključuju kvadrate/pravokutnike, trokute i dijagonalne linije ili sfere – koje se sve preklapaju u njezinim različitim dizajnima.

Ploča 14 od Sonie Delaunay: njezine slike, njezini objekti, njezina simultana tkanina, njezina moda od Sonia Delaunay , 1925., preko Nacionalne galerije Victoria, Melbourne

Delaunay je bila mlada žena tijekom Edvardijansko doba gdje su korzeti i konformizam bili norma. To se promijenilo 1920-ih kada su žene nosile suknje iznad koljena i široku odjeću koja je krojila u kutiju. Ovaj aspekt je nešto što se može vidjeti u Delaunayjevom dizajnu, a ona je strastveno stvarala odjeću koja odgovara ženskim potrebama. Dizajnirala je kupaće kostime koji su ženama omogućili da bolje sudjeluju u sportovima koji su prije bili sputavali njihovo bavljenje. Svoj tekstil stavljala je na kapute, cipele, šešire, pa čak i na automobile čineći svaku površinu svojim platnom. Njezin dizajn stvorio je slobodu kretanja i izražavanja kroz boju i oblik.

Delaunayev prijelaz na film i kazalište

Le P'tit Parigot autora Renéa Le Somptiera , 1926., putem IMDB-a (lijevo); s Kostim za 'Kleopatru' u produkciji 'Kleopatre' od strane Ballets Russes od Sonia Delaunay, 1918, preko LACMA (desno)

Delaunay je tijekom svoje karijere prešla na film i kazalište. Dizajnirala je kostime za film iz 1926 Le P'tit Parigot ('The Small Parisian One) Renea Le Somptiera. I Delaunay i njezin suprug pridonijeli su filmu, a njezin suprug je doprinio scenografiji koja se koristi u filmovima. S lijeve strane, rumunjski plesač Lizicai Codreanu prikazan je u jednom od kostima koje je dizajnirao Delaunay. Njezina upotreba sfera, cik-cak i kvadrata još je jedan primjer simultanizma. Cik-cak pozadine stapaju se s tajicama kostima. Disk koji je okruživao lice plesačice bio je tema koja se ponavljala u Delaunayevoj modi.

Također je kreirala dizajne za 'Kleopatra' , Ballets Russes. Kao iu filmskim suradnjama, ona je kreirala kostime, a njen suprug je radio na scenografiji. Obje su surađivale jedna s drugom kako bi stvorile skladan doživljaj za gledatelja. Kleopatrin kostim ima raznobojne pruge i polukrugove koji spajaju njezin apstraktni stil iz 1920-ih s tradicionalnim baletom.

3. Suradnja Else Schiaparelli i Salvadora Dalíja

Schiaparelli cipela u obliku šešira Elsa Schiaparelli i Salvador Dalí , 1937-38, preko Vogue Australia

Prednjače od nadrealistička umjetnost odgovara vođi na nadrealistički način. Salvador Dali i modni dizajner Elsa Schiaparelli surađivali i inspirirali jedni druge tijekom svojih karijera. Stvorili su ikonične slike poput Haljina od jastoga , Šešir za cipele (Dalíjeva žena, Gala prikazana gore), i Haljina od suza , koji je šokirao i inspirirao publiku kako u umjetnosti tako iu modi. Dalí i Schiaparelli utrli su put budućoj suradnji između modnih dizajnera i umjetnika premošćujući jaz između onoga što se smatra nosivom umjetnošću i mode.

Jastog i Dalí

Ženska večernja haljina Elsa Schiaparelli i Salvador Dali , 1937., preko Philadelphia Museum of Art (lijevo); Salvador Dali autora Georgea Platta Lynesa , 1939., preko Muzeja umjetnosti Metropolitan, New York City (desno)

Iako je jastog naizgled bezopasan, zapravo je predmet kontroverzi. Dalí je koristio jastozi kao stalna tema u njegovom radu i zanimala ga je anatomija jastoga. Njegova ljuska izvana djeluje kao kostur, a iznutra ima mekanu unutrašnjost, naličje ljudske. Jastog u Dalíjevu djelu ima i seksualne tonove, proizašle iz žensko-muške dinamike.

Haljina Jastog je suradnja između dva umjetnika, a Dalí je skicirao jastoga koji će se koristiti na haljini. Izazvao je mnogo kontroverzi kada je prvi put debitirao u Vogue . Prvo, ima proziran steznik i suknju od bijele organze. Ova prozirnost, koja pokazuje jedva vidljivu sliku tijela modela, bila je nešto sasvim novo u masovnoj modi. Upotreba bijele tkanine također je u kontrastu s crvenom bojom jastoga. Bijela se može smatrati djevičanskom ili označava čistoću u usporedbi s crvenom, koja može značiti seksualnost, moć ili opasnost. Jastog je prikladno postavljen na suknju kako bi pokrio područje zdjelice žene. Ovaj položaj je sličan gornjoj fotografiji Dalíja, što dodatno označava žensku seksualnost u odnosu na reakciju muškaraca na nju.

Model koji je nosio odjevni predmet Vogue bila je Wallis Simpson, supruga Edwarda VIII., koji se odrekao engleskog prijestolja kako bi je oženio. Ovo je još jedan primjer uzimanja kontroverzne figure ili slike u kulturi i pretvaranja u nešto što treba poštovati.

Stil koji hladi kosti

Žena s glavom od ruža autora Salvadora Dalija , 1935., preko Kunsthaus Zurich (lijevo); s Haljina kostur od Else Schiaparelli , 1938., preko Victoria and Albert Museum, London (desno)

Kosturi su još jedna tema viđena u nadrealističkoj umjetnosti i korišteni su u više suradnji između Dalija i Schiaparellija. Haljina kostur bila je prva te vrste zbog tematike, ali i zbog tehnike. Schiaparelli je koristio tehniku ​​tzv prošiven gdje su dva sloja tkanine zašivena zajedno stvarajući obris. Vata je umetnuta u obris, stvarajući uzdignuti efekt. Ova tehnika stvara teksturiranu površinu na ravnoj tkanini dajući iluziju da ljudske kosti strše kroz haljinu. Izazvala je skandal jer je haljina bila izrađena od ljepljivog materijala koji se lijepio za kožu. Mašta Dalijevih slika i crteža ostvarena je u fizičkom trodimenzionalnom svijetu pomoću Schiaparellijeve odjeće. Dali je, kao što je ranije spomenuto, bio zainteresiran za anatomiju, a to se također prenosi na njegov rad.

4. Yves Saint Laurent: Gdje se sudaraju umjetnost i inspiracija

Haljina Yves Saint Laurenta inspirirana Picassom autora Pierrea Guillauda , 1988., putem Timesa UŽIVO (lijevo); s Ptice Georges Braque, 1953., u muzeju Louvre, Pariz (desno)

Gdje je granica između oponašanja i uvažavanja? Kritičari, gledatelji, umjetnici i dizajneri podjednako su se borili da odrede gdje je ta crta povučena. Međutim, kada se raspravlja Yves Saint Laurent , njegove namjere nisu bile ništa drugo do laskanje i divljenje umjetnicima i slikama koje je koristio kao inspiraciju. Gledajući njegov opsežni portfelj, Saint Laurent je bio inspiriran kulturama i umjetnošću iz cijelog svijeta, te je to uklopio u svoje odjevne predmete.

Iako Yves Saint Laurent nikada nije upoznao umjetnike koji su ga inspirirali, to ga nije spriječilo da stvara djela kao posvetu njima. Laurent je crpio inspiraciju od umjetnika kao što su Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,i Picasso . Bio je kolekcionar umjetnina i imao je slike Picassa i Matissea u vlastitom domu. Uzimanje slika drugog umjetnika kao inspiracije ponekad se može smatrati kontroverznim. Saint Laurent bi, međutim, koristio slične teme kao ovi umjetnici i uključio ih u nosivu odjeću. Uzeo je dvodimenzionalni motiv i transformirao ga u trodimenzionalni odjevni predmet koji odaje počast nekim od njegovih omiljenih umjetnika.

Pop-art i revolucija 60-ih

Koktel haljina koju je nosila Muriel, hommage Pietu Mondrianu, kolekcija visoke mode jesen-zima 1965. Yves Saint Laurent, fotografirao Louis Dalmas , 1965., preko Musée Yves Saint Laurent, Pariz (lijevo); s Večernja haljina koju je nosila Elsa, Omaž Tomu Wesselmannu, kolekcija visoke mode jesen-zima 1966. Yves Saint Laurent, snimio Gerard Pataa, 1966 , preko muzeja Yves Saint Laurent, Pariz (desno)

Šezdesete su bile vrijeme revolucije i komercijalizma i bile su novo doba za modu i umjetnost. Saint Laurentov dizajn postigao je komercijalni uspjeh kada je počeo dobivati ​​inspiraciju Pop art i apstrakcija. Kreirao je 26 haljina 1965. inspiriran apstraktnim slikama Pieta Mondriana. Haljine su utjelovile Mondrianovu upotrebu jednostavnih oblika i hrabrih primarnih boja. Saint Laurent je koristio tehniku ​​u kojoj nisu vidljivi šavovi između slojeva tkanine, zbog čega se čini kao da je odjevni predmet jedan cijeli komad. Saint Laurent preuzeo je Mondrianovu umjetnost iz 1920-ih i učinio je nosivom i povezanom sa 1960-ima.

Haljine u modernom stilu klasični su primjeri stila 1960-ih u kojem je praktičnost postajala sve veći problem za žene. Bili su slični odjevnim predmetima iz 1920-ih, koji su bili manje sputani i imali su rukave i porube koji pokazuju više kože. Kutijaste siluete Saint Laurenta dopuštale su ženama lakoću i kretanje. To je također dovelo do njegove inspiracije od pop art umjetnika kao što su Tom Wesselmann i Andy Warhol. Kreirao je liniju dizajna nadahnutih pop artom koji su sadržavali siluete i izreze na njegovoj odjeći. Radilo se o razbijanju ograničenja o tome što je apstrakcija u umjetnosti i komercijalizaciji dizajna. Laurent je premostio ove dvije ideje kako bi stvorio odjevne predmete za žene koji su bili slobodni i privlačni modernoj ženi.

Umjetnost u Haute Couture modi

Večernji kompleti, hommage Vincentu van Goghu, koje su nosile Naomi Campbell i Bess Stonehouse, haute couture kolekcija proljeće-ljeto 1988. Yves Saint Laurent, fotografirao Guy Marineau , 1988., preko Muzeja Yves Saint Laurent, snimljeno

The Vincent van Gogh Saint Laurent jakne primjer su kako je Saint Laurent spojio inspiraciju drugih umjetnika i vlastiti dizajnerski talent. Poput ostalih njegovih odjevnih predmeta, teme vezane uz umjetnike nisu kopirane i zalijepljene na Saint Laurentovu odjeću. Umjesto toga odlučio ih je uzeti kao inspiraciju i stvoriti komade koji odražavaju njegov vlastiti stil. Jakna je reprezentativna za stil 80-ih sa svojim snažnim ramenima i vrlo strukturiranim kutijastim izgledom. Riječ je o kolažu suncokreta izvezenih u slikarskom stilu Van Gogha.

Suncokret jakna-detalj od Yves Saint Laurenta , 1988., preko Christie’s (lijevo); s Suncokreti-detalj Vincenta Van Gogha , 1889., preko Muzeja Van Gogh, Amsterdam

Yves Saint Laurent surađivao je s kućom of Kuća Lesage , vodeći u haute couture vezenju. Jakna od suncokreta izvezena je cjevastim perlama koje oblažu rubove jakne te laticama i stabljikama suncokreta. Cvjetovi su ispunjeni različitim nijansama narančastih i žutih šljokica. Ovo stvara višedimenzionalni komad teksture sličan Van Goghovoj tehnici nanošenja guste boje na platno. Procjenjuje se da je to jedan od najskupljih komada visoke mode koji se može napraviti, prodan za 382.000 eura od Christie'sa. Saint Laurent je premostio put kako se moda može nositi kao umjetničko djelo samo po sebi.