Što je minimalizam? Pregled stila vizualne umjetnosti

Skulptura iz 2000 autor Walter DeMaria , 1992., putem LACMA-e

Minimalizam je transformirao modernu umjetnost kakvu danas prepoznajemo. Uvelike usredotočen na glazbu i estetiku od 1960-ih, njegovi kiparski preteče Donald Judd, Robert Morris i Sol LeWitt zakotrljali su loptu na desetljećima dugu potragu nakon kreativnog oslobođenja. Ovaj povijesni pregled detaljno opisuje njegovu metamorfozu kroz stoljeća.

Tko je inspirirao minimalizam?

br. VI / skladba br. II autora Pieta Mondriana , 1920., preko Tatea, London

Modernističke redukcionističke tendencije postavile su minimalistički temelj mnogo prije nego što se izraz materijalizirao. Iako je New York u konačnici inkubirao popularnost žanra sredinom 20. stoljeća, njegovo podrijetlo seže još u 1915., kada je avangardni umjetnik Kasimir Malevich naslikao svoju svojeglavu Crni kvadrat . Zajedno s Vladimirom Tatlinom, ruski su se čelnici posebno zainteresirali za spajanje tehnologije u nastajanju sa svakodnevnim životom, sastavljajući zajedničke objekte kako bi umjetnost obrijali do njenog najistinitijeg oblika. Slike više nisu služile kao objektivna zrcala trodimenzionalnog društva, već kao samoreferentni objekti, istražujući načine na koje površina može prevladati vlastita fizička ograničenja. Drugi pioniri poput nizozemskog apstrakcionista Pieta Mondriana, čije su jednostavne, ali moćne slike osvjetljavale plošnost platna, nastavili su ovu praksu tijekom 1920-ih. Rane apstraktne kompozicije poput njegovih br. VI (1920.) otkrivaju ovu generacijsku želju za uklanjanjem figurativnih tehnika, reducirajući stvarnost na niz geometrijskih oblika.

Počast Trgu autora Josefa Albersa , 1959., preko Muzeja Guggenheim, New York

Ovi preteče katalizirali su objektivnu ponovnu procjenu onoga što znači biti umjetnik. To se uglavnom može pripisati priznanju iz 1920-ih Marcel Duchamp, koji se borio protiv ideje da umjetnost treba biti samo emocionalno motivirana. Vjerovao je da bi sva revolucionarna umjetnost trebala natjerati gledatelje da dalje propituju sustave moći, otkrivajući tako dublje značenje. Godine 1937., proto-minimalistički kipar Constantin Brancusi testirao je ovu ideju putujući u Rumunjsku i podižući svoj 98 stopa visok Beskrajna kolona , rombična kula koja odaje počast palim domaćim vojnicima. Slikar Josef Albers potom je zacementirao minimalističke ideje u modernom umjetničkom obrazovanju naglašavajući iluzornu slikovnu dubinu tijekom svog angažmana na Black Mountain Collegeu. Njegovo Omaž trgu (1950.) predstavlja primjer ovih ključnih načela kroz kontrastne boje, oblike i sjene, ukorijenjene u empirijskim studijama dizajna. Slijedeći primjer, slikari Color Field Ad Reinhardt i Mark Rothko ubrzo je predvodio još jedan novi vizualni stil, naglašavajući estetsku jednostavnost i pigmentirane palete.

Kada je počeo minimalizam?

Prikaz instalacije 16 Amerikanaca po Soichi Sunami , 1959., preko MoMA-e, New York

Izvorni minimalisti namjeravali su stvoriti još doslovnije prikaze svijeta oko sebe. Vjerujući da se umjetnost treba odnositi samo na sebe, mnogi su od slikovnog slikarstva prešli prema kiparstvu ili tiskarstvu kako bi poboljšali svoje tehnike. Frank Stella, općenito smatran prvim američkim minimalistom, probio se na newyoršku scenu uz gromoglasan zveket 1959. godine zahvaljujući svom poznatom Crne slike. Predstavljeno na MoMA-inom seminaru 16 Amerikanaca izložbi, ova serija prugastih platna nategnutih preko nazubljenih drvenih okvira, suprotstavljajući prethodnike iz Willem de Kooning i Franz Kline. Bez ikakvog ljudskog obilježja, Stellina apstrakcija također je poprimila karakteristike zadanog prostora, ostajući potpuno ravna, mrtva i odvažna, lišena subjektivnog odlučivanja. Osigurao je ove osnovne crne slike nemarno, ali s uvjerenjem, ispovijedajući njihovu objektivnost ponosno. Njegova kultna 1964 citat kasnije se razvio u teoretsku mantru za minimaliste diljem svijeta: ono što vidite je ono što vidite.

Uživate li u ovom članku?

Prijavite se na naš besplatni tjedni biltenPridružiti!Učitavam...Pridružiti!Učitavam...

Provjerite svoju pristiglu poštu kako biste aktivirali svoju pretplatu

Hvala vam!

Izložba Zelene galerije 1964

Bez naslova po Donald Judd , 1963., putem Zaklade Judd, New York

U roku od godinu dana, vizionarska kreativna postava procvjetala je u Green Gallery u New Yorku. Kustos Richard Bellamy koordinirao je ključnu seriju izložbi Novi posao paradirati nadolazećim glasovima u raznim medijima. Izgrađen od komercijalne šperploče, Robert Morris je mahao svojom Untitled (Corner Piece) (1964.), uokvirujući prostor s novog stajališta. U međuvremenu, I Flavin otkrio je svoje legendarne fluorescentne situacije, čija je reakcija pokazala da se svakodnevni materijali mogu rječito infiltrirati u visoko društvo. Flavinov zlatna, ružičasta i crvena, crvena (1964.), Minimalistov prvi podni komad, stajao je među ostalim izloženim električnim umjetninama. Uzbunjivač Donald Judd ovdje je također debitirao kao ozbiljan kipar manje od godinu dana ranije svojim markantnim Bez naziva (1963.) , s ukupno pet emisija tijekom svog kratkog trajanja. Međutim, unatoč tome što su se miješali u Greenu, niti jedan od tih pionira sebe zapravo nije nazvao minimalistom. Vodeći znanstvenici posvetili su se osmišljavanju novog rječnika za opisivanje ovog monumentalnog pokreta.

Eseji objavljeni o minimalizmu

Jedna i tri stolice po Josip Košut , 1965., preko MoMA-e, New York

Kritički eseji objavljeni sredinom 1960-ih konačno su uspostavili prevladavajuću minimalističku paradigmu. Godine 1965. Donald Judd objavio je svoju raspravu Specifični objekti , kroz koji je zapravo odbacio denominaciju Minimalizam. Umjesto toga, tvrdio je da žanr treba prepoznati kao specifične objekte, ergo umjetničku kategoriju koju nije lako klasificirati samo kao slikarstvo ili skulpturu. Obično su minimalisti koso spajali ova dva medija, prevrćući tradicionalne europske konvencije u korist fenomenologija . (Ova filozofska studija vagala je subjektivno iskustvo nad objektivnom istinom, naglašavajući kako odgovori na umjetničko djelo variraju od konteksta.) Većina se također usredotočila na repliciranje trodimenzionalnih objekata što je moguće bliže, iskorijenjujući autorstvo kroz industrijske alate i glomazne, nekonformističke konfiguracije. Zbog ove povećane brige oko začeća nasuprot postupku, minimalizam se također pojavio u skladu s Konceptualna umjetnost. Prekretnice poput Josepha Kosutha Jedna i tri stolice (1965.) proglasio pitanjem desetljeća : je li to umjetnost, objekt ili ni jedno ni drugo?

Primarne strukture U Židovskom muzeju

Prikaz instalacije primarnih struktura: mlađi američki i britanski kipari , 1966., preko Židovskog muzeja, New York

Minimalizam je doživio svoj vrhunac 1966. Te je godine Židovski muzej bio domaćin Primarne strukture, blockbuster izlog preko 40 istaknutih umjetnika. Organizirana u deset galerijskih prostora odvojenih podvožnjakom, izložba je također imala pozitivan medijski uspjeh od samog početka svog održavanja. Pažljivo odabrani zidovi predstavili su nedavne radove relativno eminentnog Tonyja Smitha uz Sola LeWitta, koji je predstavio svoj Bez naziva (1966.) , drvena podna skulptura koja proriče njegov kasniji rad. Primarne strukture također je u središte pozornosti izbacio nadobudne kreativce poput Anne Truitt Morski vrt (1964.) , kasnije poznata po svojim velikim instalacijama. Slike na vrhuncu minimalizma i polja boja, poput Ellswortha Kellyja Plavi disk (1963.), također se pojavio. Čineći to, Primarne strukture zauvijek je promijenio ideju galerijskog prostora, stavljajući u prvi plan kohezivni koncept umjesto ispitivanja njegovih pojedinačnih dijelova. Idealni umjetnik više nije jednostavno stvarao. Sada su ovi sanjari krenuli u dizajn.

Sustavno slikanje U Guggenheimu

Lawrence Alloway Instaliranje Systemic Paintinga , 1966., preko muzeja Guggenheim, New York

Ostale su institucije brzo oponašale ovu tradiciju. U rujnu 1966. Guggenheim je slavio Sustavno slikanje , spajanje američkih umjetničkih formi poput Hard-Edgea i oblikovanih platna. Geometrijska je apstrakcija imala prednost na ovoj prezentaciji najboljih talenata New Yorka, iako je u cijelom katalogu nedostajao opis minimalizma. Koliko god ova odluka bila svrsishodna, umjetnici koji su bili prikazani djelovali su neupitno minimalistički. Neila Williamsa Krojačke navike Billyja Boa (1966.) visio okomito na Franka Stella Wolfeboro IV (1966) u Visokoj galeriji, dva dragulja u međuovisnoj postavi. Zapadni izložbeni prostori općenito su se mijenjali u to vrijeme, s klasičnim muzejima koji su širili dužnosti. umjetničke dvorane, njemački pogled na suvremeni galerijski prostor, počeo se pojavljivati ​​diljem Europe, reguliran na temelju rotacije. Zadruge poput New York's Artists Space kontinuirano pružao platforme za inovatore za izražavanje jedinstvenih hipoteza. Rezultirajuće recenzije bile su oduševljene, unapređujući percepciju javnosti o tome u što bi se minimalizam doista mogao pretvoriti.

Pomak prema postminimalizmu

Bez naziva (L-grede) po Robert Morris , 1965., preko Muzeja Whitney, New York

Do kasnih 1960-ih, minimalizam se razdvojio u različite teorije. Robert Morris prednjačio je s Bilješke o kiparstvu 1-3 , njegovi eseji iz 1966. označavaju formalni okvir za vršnjake. Osobito je ocijenio Geštalt psihologija, koji pretpostavlja da je uređena cjelina veća od zbroja svojih komponenti. Morris je u potpunosti artikulirao ovu implikaciju naglašavajući dijelove koji su povezani [da] stvore maksimalnu otpornost perceptivnom razdvajanju, ne zahtijevajući nikakve regularizirane jedinice ili simetrične intervale. Testirajući ovu premisu ranije, aktualizirao je svoju najistaknutiju skulpturu do danas, (Bez naslova) (L-grede). Tri identična poliedra u obliku slova L u ravnoteži u različitim položajima, ovisni jedan o drugome, varajući gledatelje da percipiraju različite veličine. (Svaki put je imao drugačiji sklop.) Kasnije bi također postulirao kako je raspored dijelova doslovni aspekt fizičkog postojanja stvari. Ova pojačana privlačnost prema beskompromisnim materijalima postavila je pozornicu za ono što će se kasnije nazvati postminimalizmom.

Zakopana kocka koja sadrži predmet od važnosti, ali male vrijednosti po Sol LeWitt , 1968., preko The No Show Museum, Zürich

Dok je minimalizam ušao u drugu fazu, njegovi su sljedbenici otkrili njegove korijene. Sol LeWitt je uzeo dalje Morrisov model 1967. kada je distribuirao svoj esej Paragrafi o konceptualnoj umjetnosti. Većina ga smatra službenim manifestom pokreta, a potvrdio je da nije previše važno kako umjetničko djelo izgleda. Umjesto toga, LeWitt je vjerovao, bez obzira kakav oblik konačno ima, mora započeti s idejom, proglašavajući time da je to proces koncepcije i realizacije kojim se umjetnik bavi. Ta su ga načela pratila tijekom njegove značajne četrdesetogodišnje karijere, međutim, tvrdio je da je potpuno napustio minimalizam 1968. Kako bi obilježio svoj oproštaj, tada je skladao Zakopana kocka koja sadrži predmet od važnosti, ali male vrijednosti , doslovno zakopati kocku u lokalnom vrtu. Danas su ostale samo fotografije od ovog efemernog događaja koji najavljuje propast jedne minule epohe. LeWitt je to nazvao smrću autorskog stava.

Nova generacija postminimalista

Spiralni mol po Robert Smithson , 1970., preko Zaklade Holt Smithson, Santa Fe

Do ranih 1970-ih, minimalizam je napredovao u nekoliko zasebnih umjetničkih ogranaka. Preci Judd i Morris inspirirali su umjetnika Process Richard Serra, čija je lokalitet specifična skulptura Shift (1972) demonstrira post-minimalističku zanimljivost spajanjem vanjskih i unutarnjih konvencija. Iako je bio njegov prvi izlet u divljinu, nije u potpunosti izumio kotač. Sastavio sunarodnjak Robert Smithson Spiralni mol dvije godine ranije, struktura nalik vrtlogu napravljena od šest tisuća tona crnog kamenja. Drugi land umjetnici, poput Waltera De Marije, također su uskočili u ovaj pokret. U međuvremenu, nastajanje Bruce Nauman odao je počast Flavinu uključivši se u vanjske svjetlosne instalacije s njegovim neonom La Pitch (1972) . Ipak, nisu se svi kritičari radovali ovom kreativnom hiru. Povjesničar Michael Fried napisao je oštru analizu za Art Forum tijekom kasnih 1960-ih , optužujući minimaliste da guraju ideologiju, a ne umjetnost. Iako je priznavao njegov značaj, Fried je također izbjegavao teatralnost svojstvenu minimalizmu. Na horizontu je svanuo nužan obračun.

Feministička revolucija u umjetnosti

Sami smo nemoćni Zajedno smo jaki by See Red Women's Workshop , 1976., preko The Victoria and Albert Museum, London

Ubrzo je nastala pobuna tijekom 1974. Promovirajući izložbu na Galerija Leo Castelli , goli Robert Morris napuhao je prsa prekrivena zlatnim lancima, fotografirao navlačeći kacigu iz nacističkog doba. Prosvjednici koji su prethodno sudjelovali u Pokretu za građanska prava s pravom su se uvrijedili na ovaj portret pun predrasuda, pozivajući na povlačenje slike. Značajno je da su mnoge prigovaračice bile žene koje su se zatim okrenule kako bi se usredotočile na šire pitanje rodne i rasne jednakosti. Ono što je kasnije uslijedilo može se opisati samo kao fenomenalan domino efekt, koji je preokrenuo svaki kutak suvremene industrije. Umjetnice koje su se pridružile drugom valu feminizma u SAD-u izašli na ulice oboriti galerije ili muzejima vjeruje se da promiču nepravedne prakse. Ubrzo su samo ženske mastheadsice osnovale časopise kao što je hereze, i disertacije poput Linde Nochlin Zašto nije bilo velikih žena umjetnica kružio je svijetom. Feministički letci koji zajedno izjavljuju da smo jaki naslikali su budućnost bogatu raznolikošću.

Večera po Judy Chicago , 1974., preko The Brooklyn Museum

Ubrzo se ta feministička čvrstoća očitovala unutar umjetnosti. Vanguards je vodio kampanju protiv postminimalističkog polja kojim dominiraju muškarci s ciljem svrgavanja s trona vlast neravnoteže i brutalnosti. Judy Chicago je vodila ovu potjeru s Večera (1974.) , keramička skulptura koja prikazuje svečani banket. Ovdje zlatni kaleži i porculanski oslikani porculan počivaju pored podmetača koji predstavljaju istaknute žene iz povijesti, mijenjajući namjenu stereotipne kućne sfere. (Chicago je postavio Radionica feminističkog studija i Zgrada žena također.) Ručno izrađene, zanatske i simbolične kompozicije također su izrasle iz želje da se potkopa status quo. Lynda Benglis je istodobno eksperimentirala s izlijevanjem smole za izradu Jedi meso (1975.) , dok Eva Hesse postigao je sličnu isplatu kroz lateks, stakloplastike i plastiku. Nancy Graves vitlala je komadićima životinjske kože i kostiju u svojoj cijenjenoj seriji Deve (1968) i Iz fosila (1977.), skulpture tako realistične da su gotovo nevjerojatne. Povećani napori da se dekonstruira minimalistički monolit zavladali su tijekom nadolazećih desetljeća.

Minimalizam tijekom kasnijih godina

Bez naslova po Donald Judd , 1991., preko MoMA-e, New York

Ipak, prvi minimalisti nisu u potpunosti pali s radara. Judd je radio do svoje smrti 1994., povećavajući svoju upotrebu nekonvencionalnih alata i na aluminiju i na emajlu. U Bez naziva (1980.) , regenerirao je prethodni motiv hrpe kroz čelik, aluminij i pleksiks, pažljivo pazeći na svaki detalj. Zatim je Judd rasporedio pet šarenih stupova u svojoj podnoj skulpturi od emajla Bez naziva (1991.), brišući tragove kompozicijske žarišne točke. Walter De Maria instaliran Skulptura iz 2000 godinu dana kasnije u Zürichu, postavljajući dvije tisuće poligonalnih gipsanih šipki preko Kunsthausa. LeWitt se zatim okrenuo škrabanju crteža poput Zidni crtež #1268 (2005.), prikazano izravno na zidu galerije kako bi nalikovalo skulpturi. Iako je Morris 1970-ih promijenio figurativni rad, neizbježno se vratio kiparstvu s Brončana vrata (2005.), čelični luk cor-ten koji dijeli vrtni paviljon u Italiji. Obilježio je posljednji pokazati u galeriji Leo Castelli prije nego što je preminuo 2018.

Minimalizam u vizualnoj umjetnosti danas

Zidni crtež #1268 autor Sol LeWitt , 2005., putem umjetničke galerije Albright-Knox, Buffalo

Danas se minimalizam najčešće koristi kao kolokvijalna riječ za označavanje jednostavnosti. Sveden na bitne stvari, posljedice žanra protežu se od uređenja doma do automobila, snimanja filmova, pa čak i pisanja. Unutar sfere umjetnosti, međutim, minimalizam nedvojbeno priziva sjećanja na radikalno vrijeme u ljudskoj povijesti, borbu za slobodu koju mnogi vode i danas. Koliko god to bilo nenamjerno, uvelo je u demokratskiju umjetničku eru, onu u kojoj su žene, obojeni ljudi i druge marginalizirane skupine zapravo mogle priuštiti mjesto za stolom. Minimalizam je također srušio barijere između tipičnih medija dok je istodobno revolucionirao iskustvo umjetnika i gledatelja. Čineći to, njezini nasljednici učinkovito su demontirali poslijeratnu američku prevladavajuću umjetničku hijerarhiju, kojom je nekoć upravljao utjecajni kritičar Clement Greenberg. Te se posljedice nikada ne mogu poništiti. Ali za one odmetnute minimaliste koji su tražili početnu pobunu tijekom 1960-ih, možda je upravo ovo poanta.